jueves, 27 de diciembre de 2007

The Arcade Fire - Funeral (2004)

Que pedazo de disco, escucharlo es tener una experiencia sensorial ecléctica, un zapatazo en la nuca.

Mediados de la primera década del siglo XXI, Arcade Of Fire, lanza al mercado un álbum precioso, "Funeral" signo de los presentes artísticos que pululan del otro lado del MTV que nos ponen en el cable.

Y es que es comprensible que ante la saturación de productos prefabricados sin talento, las bandas indies hayan desarrollado sus propias estrategias de promoción de sus trabajos, en muchos casos con producciones caseras o fichadas por pequeñas disqueras con rangos de comercialización bastante limitados, pero es evidente que ante propuestas como esta el cibertrabajo de hormiga rinde sus frutos, pues es la música la que se encarga de captar adeptos de por si sola y de esta manera expandir nuevas visiones sobre el arte musical del siglo XXI.

Con una identidad compleja en su ecléctica aproximación al pop-rock, la banda canadiense The Arcade Fire sintetiza muchas influencias en un producto de ingeniosa y compleja sonoridad, más aún incluyendo una sensibilidad capaz de cautivar a los variopintos individuos con hambre de sonidos coherentes y sólidos a lo largo de todo un álbum (cosa rara en la era de los singlesy compilados del momento).

Y es que no es la novedad por la novedad lo que hace que agrupaciones como The Arcade Fire sean parte de la colección de soundtracks internos que llevamos los amantes de la música, sino la perfecta línea que pueda apoderarse de las vibraciones corporales producto de nuestros estados de ánimo, "Funeral" es uno de esos oasis musicales que bien puede ajustarse a un día como ayer lluvia, hoy sol , mañana quién sabe... solo ponerle 'play' y dejarse llevar por esos minutos disfrazados de ternura, nubes, baile y 'n' horizontes.

De yapa dos temas colados de una presentación en vivo, "Intervention" del ábum Neon Bible, y "Wake Up" del Funeral, ...






miércoles, 26 de diciembre de 2007

Aphrodite's Child - 666 (1971)

De seguro no es el mejor disco doble (1, 2) de todos los tiempos, menos uno de los grandes innovadores a nivel de sonido o acaso una gran opera conceptual. Pero "666" de Aphrodite's Child es un disco más que interesante para todos aquellos inmersos en la música de los primeros años de los 70's, la época post-Beattle, de gran experimentación en todos los niveles, consecuencia de grandes descubrimientos en los 60's, de hecho Aprhodites... se forma hacia 1967 con dos pilares jóvenes de la música rock pop griega: Vangelis Papathanassiou (teclados) y Demis Roussos (bajo y voces).

Para cuando "666" vio la luz, la alianza artística de esos dos pilares de la banda se disolvió por diferencias creativas, Demis apuntaba hacia una música de corte más pop (de hecho es un cantante popular básico de esos años, en casa mi padre tiene un vinil que escuchó, e hizo que escucharamos hasta el cansancio...) y Vangelis hacia un sonidos más sicodélicos, sinfónicos y progresivos, este último aspecto lo lleva a ser uno de los esenciales precursores de la música electrónica de etiqueta new-age (G E N I O).

"666" es un disco elaborado a partir de la visión musical de Vangelis y los textos de Costas Ferris, basado en el libro de las Revelaciones del Nuevo Testamento escrito por San Juan, el disco doble lleva un total de 24 tracks, contenidos en dos discos, ricos en variaciones sonoras: temas rockeros, corales, instrumentaciones exquisitas, ambientaciones intensas y sugerentes, la voz de Demis (belleza) y otros invitados (la célebre actriz-cantante Irene Papas participa en varios temas).

Como no podría ser de otra manera, el disco provocó tremenda controversia desde el principio, se estima que casi un 50% del total de la obra fue censurado por la disquera, y varios temas tuvieron que ser retocados para no resultar en exceso ofensivos, cuestión que de todos modos no pudo evitarse siendo varios temas tachados de hacer referencia a invocaciones o rituales satánicos realizados por los músicos al influjo de drogas.

Miento (no tomen en cuanta lo que dije al principio), este disco es un pedazo de belleza sónica, pieza de puzzle que completa este cuadro-laberinto de influencias musicales que inunda mi cerebro.

Comprenderán que un producto como éste, de esos años, no tenga soporte de video, por lo que les pongo a continuación un tema del mismo disco "The Four Horsemen", track 4 del disco primero, con animaciones de un tal "taxirock" con animaciones medio prrr, pero vale, lo que importa es la música o no?, yapita...






jueves, 20 de diciembre de 2007

Dead Can Dance - The Serpent's Egg (1992)

Brendan Perry y Lisa Gerrard crean a principios de los años ochenta (1981, Australia) uno de los pilares de la música experimental, fundamentada en la exploración de sonidos antiguos del mundo, la 'world music' (Perry reflexionaba sobre las connotaciones del nombre de la agrupación y sugería que probablemente el interés principal de los músicos era revivir instrumentos y sonidos 'muertos' de otras culturas y epocas de la cultura humana en sus variadas etnias).

Si bien empezaron grabando discos con un sonido dark - gótico, el álbum "The Serpent's Egg" de 1998 marcaría el curso del trabajo en los siguientes discos, hasta su separación a finales de los noventa (1998).

Pese a que el dúo se reunió para una serie de conciertos durante 2005, no existe material nuevo de la agrupación, y si material individual de ambos, Brendan produciendo y colaborando con otros músicos en Gran Bretaña y Gerrard trabajando de manera simliar, en Australia, teniendo una interesante acogida sus proyectos en varios soundtracks de películas: The Gladiator, The Insider (joya), entre otros.

"The Serpent's Egg" hace referencia en su nombre a la película de Ingmar Bergman del mismo nombre (1977) y tiene en su interior 10 tracks de exquisita instrumentación e interpretación coral, además de líricas con matices de carácter filosófico y literario que asombran por su meticulosidad y riqueza de referencias e interpretaciones.

Un álbum atemporal, soundtrack del sol y su travesía mirando a los hombres desde las alturas...

El track uno del disco en vivo "Toward de Within" de 1993, la yapa del día "Rakim"...







jueves, 13 de diciembre de 2007

Enigma - The Cross of Changes (1993)

Segundo disco de Michel Cretú y Sandra Lauer y su proyecto Enigma. Disco poderoso de electrónica, con bellos pasajes ambient y referencias musicales étnicas. Enigma resultó en extremo conocido en el mundo pop y dance con el tema "Sadeness (Part 1)" del disco "MCMXC a.D." de 1990, el cuál incorporaba coros gregorianos en temas de instrumentación electrónica, sin embargo creando atmosferas accesibles y de referencias new age. La música de Enigma resulto inclasificable desde la promoción de su primer single, por lo que llamó la atención de variadas esferas musicales, comerciales e intelectuales, que se rindieron ante el experimento.

En el disco "The Cross of Changes" Cretú continúa con la fórmula del disco anterior: alto grado de libertad e innovación, a lo que incluye claras referencias espirituales-filosóficas sobre su percepción de la vida y el ser humano, la naturaleza...

Enigma lleva 17 años cuativando millones de cerebros con una música pensada para sentir y dejarse llevar. Del disco "The Cross...", el single, uno de los más bellos del disco (y de todos los tiempos), "Return to Innocence", la yapa...







viernes, 7 de diciembre de 2007

Explosions in The Sky - Those who tell the truth shall die, those who tell the truth shall live forever (2001)

"Those who tell the truth shall die, those who tell the truth shall live forever" de 2001 es el segundo álbum de Explosions in The Sky, banda norteaméricana de transición de siglo que ha venido a aportar a la escena de rock alternativo-instrumental de su país (tan afanado en su star system de autoconsumo y autodestrucción, ay! gringuitos majaretas...).

Muchas etiquetas. Demasiadas etiquetas se han ido adoptando para hablar de las nuevos intentos sonoros por captar nuestra atención, experimental, ambient rock, post-rock y etc etc etc, y no es que este en contra de las etiquetas, pues, de alguna manera intentan sintetizar en una o dos palabras (pocas en todo caso) las cualidades o referencias sónicas a las que podríamos atenernos al escuchar un disco de una banda nueva, y es un buen esfuerzo para el que escucha con ganas, y no es un crítico asalariado.

Obviamente llegamos a descubrir y escuchar nuevas agrupaciones porque nuestra 'oreja' sabe para donde apuntar, de ahí que no sea difícil encontrarse sumergido en un caótico mar de variopintas propuestas de variadas calidades.

Vencedores los que produzcan el deseo anhelado, fin de la búsqueda, placer efímero, nueva búsqueda, nuevos nombres, nuevas sensaciones, y llegas de 'a' a 'b'... y... luego 'e' Explosions...

La magia es el encuentro, la explosión, POW, y estas ahí indagando más... te dejas llevar por las distorsiones, luego los arpegios, un redoble a la batería que te pone alerta, una nota larga que sube y baja de volúmen, viajes largos o cortos, pasajes largos (no es privilegio solo de este disco) por intrincados ejercicios de memoria e imaginación, POW-POW... ruidos, murmullos, silencio, POW, más ruido...

Explosions es una banda imprescindible, con una camino muy propio, convencida de su forma de hacer música, alerta creativa.

Para graficar un poco de lo que hemos venido hablando (y yapar como se debe), sugiero el siguiente video in situ de "Greet Death", track uno del disco en cuestión, y que la música hable por si sola...
que explote mejor, zas?.






sábado, 1 de diciembre de 2007

Type O Negative - World Coming Down (1999)


"World Coming Down" de 1999 es el cuarto álbum de estudio de la poderosa banda norteamericana de goth-metal Type O Negative (TON), una patada de depresión en la nuca.

Al mando de Peter Steele y su voz grave, el grupo alcanzó notoriedad con el disco previo "Bloddy Kisses" de 1993 y éxito comercial con el "October Rust" de 1996, que suponen la transición de un metal duro con raíces hard-core, presentes en la primera banda de Steele "Carnivore" y el primer disco de TON "Slow, Deep and Hard" de 1991, a uno más oscuro con toques gothic-doom.

Muchas posturas metaleras se encuentran para hablar de TON, por un lado están los que califican a Steele como un "poser" que se aprovecha de la música, de su imagen de aparente "chico malo" underground que posa en Playgirl, y bla bla bla,... pero sin duda el grupo no es solamente Steele, el grupo esta conformado por J. Silver, K. Hickey y J. Kelly (S. Abruscato entre 1989-1993) que aportan lo suyo al sónido y la personalidad de la banda, habría que checar el DVD "Afterdark" para comprender un poco más la personalidad de cada uno de los músicos, y más que músicos, amigos de barrio.

Las letras de TON balancean el contenido de cada álbum, las temáticas relacionadas al sexo, en ciertos pasajes de manera explícita, la muerte, el romance, la desesperanza, la religión, disfrazados de sutiles metáforas, sarcasmo y humor negro entre otros, siempre se encuentran matizados por referencias a la cultura pop y las vivencias de Steele y sus mates desde Brookliyn New York City.


"Wold..." es un álbum sólido cuyo mérito es el hermoso equilibrio existente en las transiciones de tema a tema, la ambientación y coros (del Bensonhoist Lesbian Choir), los solos instrumentales (especialmente de guitarra y teclados), la duración de los temas y las letras.

El álbum incluye "Day Tripper" un medley de temas de The Beatles.

La banda esta sonando alucinante hoy en día, les dejo este videito para corroborar lo que digo, a pesar de los problemillas técnicos de Josh, la yapa: 'Christian Woman' del disco "Bloody..." en el Rock AM Ring '07






sábado, 24 de noviembre de 2007

Ohm - Ohm (2003)

Prog del siglo XXI, "Ohm" de 2003 es de lo mejor que escuchado en buen tiempito, a la cabeza de Chris Poland la banda Ohm desarrolla una propuesta musical interesante, bastante accesible, me pareció haberlo escuchado antes, y al rato de tas cuenta de que si, pero este viene acompañado de originalidad (mucho pedir por estos tiempos); a partir del virtusismo del guitarrista se perfila un disco con un ritmo avasallador, lleno de texturas y colores de fondo para el instrumento central... solos del largo de cada canción, pero eso no quiere decir que sean solo las 6 cuerdas las que brillen, a eso se suma el fretless bass de 6 cuerdas (también) de Robertino Pagliari y la excelente bateria de David Eagle (checar en la web sus anteriores laburos).

Es imposible quitarse de la cabeza la influencia de innovadores, como McLoughlin, Fripp, Howe, Zappa, Holdsworth (seguro que me quedé corto...), cuando uno se plantea la tarea de escuchar una nueva propuesta, pero debo afirmar que Poland ex-Megadeth sale airoso del trance que supone este álbum de 2003, y no solo airoso, sino sobresaliente, solo queda estar pendiente de su carrera y ver en que otros proyectos se embarca...

Jazz-fusion, progresivo, un poco de metal, que coctel, y del bueno... salud!

... uy, me olvidaba, no puede faltar la yapa del día: "Peanut Buddha", track 1 y hacerse la idea de como suena el resto... ahora si salud!






martes, 20 de noviembre de 2007

Los Jaivas - Obras de Violeta Parra (1984)

Los Jaivas constituyen uno de los pilares fundamentales de la música chilena de la segunda mitad del siglo XX, ellos han desarrollado una carrera sólida de 40 años en la escena musical de vanguardia en suramérica, durante los cuales nos han ofrecido varias obras de notable belleza.

"Obras de Violeta Parra" de 1984 es probablemente uno de los discos de mayor experimentación y significativa madurez musical de Los Jaivas (grandiosos), por eso relevante e imperecedera; durante 10 temas y casi 77 minutos nos re-pintan con un abanico de variados instrumentos clásicos y andinos, eléctricos y acústicos, algunos paisajes (entrañables) musicales de la extinta canta-autora-folklorista e investigadora chilena.

Los temas seleccionados por Los Jaivas han sido versionados con el estilo de la agrupación, en el que conviven en dosis bien proporcionadas y hasta fusionadas: el jazz, el rock progresivo, el sinfónico, el bolero o el folklore de suramérica.

Junto con el álbum "Alturas del Machu Picchu" del año 1981, "Obras..." constituye el pico del enfoque progresivo (de búsquedas) en su actitud musical, temas largos y complejos con largos minutos instrumentales contrastan con temas cortos más tradicionales e instrumentaciones sencillas y limpias, en ambos casos, temas cargados de fuerza y coherencia de texto y música.

Los Jaivas probablemente amalgamen en su esencia artística a la historia subyacente de un continente en plena revisión de sus identidades, las de la comunidad humana en equilibrado vínculo con la naturaleza, la américa latina de las "utopías" de los últimos 50 años (los de siempre), y es ahí que junto con otros músicos de la época y otras naciones constituyen parte de una serie de sucesos en la que estamos insertos todos los que amamos su música, esa música que sigue sonando a pesar del tiempo transcurrido, que emociona y esta siempre dispuesta a cautivarnos en lo profundo, erizarnos la piel y llenarnos de esperanza.

Diría Violeta Parra sobre la música...

"Escribe como quieras, usa los ritmos que te salgan, prueba instrumentos diversos, siéntate en el piano, destruye la métrica, grita en vez de cantar, sopla la guitarra y tañe la corneta. La canción es un pájaro sin plan de vuelo que jamás volará en línea recta. Odia las matemáticas ama los remolinos."

(Como curiosidad, cabe hacer notar que el proyecto de "Obras..." estaba concluido antes de los álbumes "Alturas..." 1981 y "Aconcagua" 1982).

La yapa (del chaski) será... el tema "Sube a nacer conmigo hermano" track 6 del disco Alturas del Machu Picchu:






sábado, 17 de noviembre de 2007

Duncan Sheik - Duncan Sheik (1996)

Wow, pasaron ya casi 12 años desde que escuchamos a Duncan sheik por primera vez, recuerdo buenos momentos las noches de trabajos universitarios, con la radio encendida y Duncan sonando de repente.

Tantos años más tarde, Duncan sigue sonando tan bien, con una carrera constante y de perfil comercial bajo, nos ha seguido ofreciendo composiciones interesantes, y discos difíciles de pasar por alto, además de un número significativo de aportes a soundtracks de películas, que en algunos casos uno no acaba olvidando por los temas musicales.

Su música, siempre se ha encontrado en el límite de los sonidos folk-acústicos y pop-comerciales, tal vez por eso, al igual que John Mayer, Howie Day, Dave Matthews entre otros, la gente sea seducida por esa encantadora y sutil belleza de equilibrios entre la 'madera' y la 'electricidad', fundamentada en composiciones e interpretaciones entorno a su intensa relación con la guitarra, y es que posiblemente radique en esta relación artista-instrumento la magia que podemos sentir las veces que tomamos nuestras guitarras y hacemos nuestras propias versiones de los temas que nos gustan, y en ese sentido quizás sean también estos cantautores los que mejor encarnen el termino de música popular (pop), al hacernos partícipes directos de su música, en un rango más amplio al de escuchar y sentir...

Lanzado ya hace muuuchos años, y como constancia de su apuesta artística, Duncan Sheik - Duncan Sheik (1996) es el referente inicial para poder hablar (él) de otros caminos menos comerciales de la música a mediados de la década de los 90's (en plena crísis del rock gringo, el ascenso de las boy-bands... y otros circos), referencia que se conserva intacta en esencia album tras album hasta hoy y esperemos por muchos años.

La yapa, del disco "White Limousine" del año 2006, el track homónimo y número tres...







viernes, 16 de noviembre de 2007

Wim Mertens - Maximizing the Audience (1985)

Wim Mertens es uno de los más productivos creadores musicales de de finales del siglo XX, a continuación ponemos a su disposición el álbum del año 1985, "Maximizing The Audience" uno de los que más me gustan del compositor belga.

Acompañado de su guitarra o su piano, además de su voz y un ocasional silbido, una pequeña orquesta de cámara o unos sintetizadores, Mertens ha desarrollado una carrera musical por si solo y acompañando con sus composiciones películas, obras de teatro y danza durante los últimos casi treinta años en las europas.

Mucha gente tiene aún dificultades para explicar su estilo, y a más de uno se le ha ocurrido etiquetarlo de new-age, solo porque toca el piano como otros compositores de ese género, personalmente entiendo y siento la música de Mertens como minimalista y vitalista, experimental, con rasgos en la composición clásica de la música romántica europea y la vanguardia en la línea de Satie.

Sobrevalorado dicen unos, otros sorprendidos de su escasa difusión global, Mertens, no cabe duda que más allá de su prolífico perfil, esta construyendo un legado significativo en la música contemporánea...

Wim Mertens - Maximizing the Audience (1985)

la yapa del día será la interpretación (promo Soft Verdict) del tema Struggle of Pleasure del disco "Close Cover" de 1982... disfruten







miércoles, 14 de noviembre de 2007

Opeth - Ghost Reveries (2005)

"Ghost Reveries" es el octavo disco de la banda de metal-progresivo sueco Opeth (de Opet libro de Wilbur Smith cuyo significado es ciudad en la luna), del cual es lider, vocal y guitarra: Mikael Åkerfeldt desde hace casi dos décadas.

Sin duda, y a pesar de las continuas críticas, Opeth es una de las bandas con una visión única en el mundo del metal, antecedentes previos: temas de más de 10 minutos (escuchar el disco "Morningrise" de 1996, que incluye el tema Black Rose Inmortal de 20:14 de duración); inclusión de nuevas estructuras (en el death metal) en lo referente a la composición musical de los temas, más propios del género progresivo y el jazz; novedosas combinaciones de instrumentación eléctrica y acústica con guiños folk y clásico en la guitarra, además del contraste vocal del mismo Åkerfeldt, entre death y melódico; fusión de ritmos nuevos, especialmente en la percusión de Martín López (baterista uruguayo que acompañó a la banda entre 1997 y 2006); entre otros elementos innovadores.

Los más puristas en el subgénero del death-metal (black) estarán decepcionados por las decisiones artísticas y el rumbo que habría de tomar la banda en la primera década del siglo XXI, especial hincapié en el "Damnation" de 2003, que contiene temas 'bastante' más suaves a los que nos había acostumbrado en las primeras experiencias sónicas, quizás hayan muchos que especulen con relación al cambio de productores e ingenieros de grabación, pasar de Dan Swanö (Edge of Sanity) en los 90's a Steven Wilson (Porcupine Tree) en el 2000 es de repente un dato sustancial en tal argumento, y de cierta manera, escuchar el "Orchid" (1994) y luego el "Gosth..." supondrá notoriamente un desarrollo musical en la calidad de la grabación, la ejecución instrumental, la riqueza de matices sónicos, y otros.

"Gosth.." es el penúltimo album de la banda hasta la fecha, siendo "Roundhouse Tapes" un álbum en vivo nuevo y pronto por difundir, mientras a degustar esta experiencia del 2005...

Opeth - Ghost Reveries

de yapa una interpretación en vivo de "Ghost of Perdition" el track 1, enjoy:






lunes, 12 de noviembre de 2007

Tori Amos - Boys For Pele (1996)

"Boys for Pele" de 1996, grabado en una iglesia y una casa de georgiana de Irlanda, además de un estudio en New Orleans; es el tercer disco en la carrera de Tori Amos como solista. El disco esta compuesto por 18 tracks, y más de 70 minutos de placer sónico.

Luego de varios intentos en la escena musical norteamericana y los dos exitosos albumes, Little Earthquakes (1991) y Under the Pink (1994), Tori nos regala un disco que introduce nuevos matices sonoros al lenguaje musical que la hizo conocida.

Sin duda "Boys..." es el disco de inflexión en su carrera, abierto a una experimentación (más profunda) : lírica, interpretativa e instrumentalmente.

A la poderosa poesía y fuerza desgarradora de su voz, entre tierna y animal, y aliada a su instrumento, cuasi extensión de sus manos y pulmones, "su piano Bösendorfer", se suman apsicordios, clavicordios, harmoniums, vientos, coros gospel, arreglos orquestales, sonidos industriales, entre otros; todos ellos orquestando complejas y simples estructuras intercaladas para garantizar un trance de mayor duración.

"Boys for Pele" es un disco para escuchar de principio a fin, un variado mix de ritmos, colores, texturas y sensaciones que pueden alcanzar etéreas nostalgias o alegrías, golpes en el pecho, ojos cerrados, dientes apretados, silbidos post-escucha...

No vale la descripción tema por tema prefiero escuchar el disco, sin duda uno de los pilares de la música pop-rock de la década de los 90's, producto de una de las personas de mayor creatividad, influencia y aporte a la música de los últimos 20 años, sino pregúntenle a Fiona Apple, Regina Spektor, Alannis Morissette, Paula Cole, Jewel, Emiliana Torrini, entre otras...

Tori Amos - Boys For Pele (1996)
El link es un esfuerzo de IDJA

De yapa un videito, del track 7 "Caught a Lite Sneeze", enjoy:










sábado, 10 de noviembre de 2007

Presentación

El siguiente blog, ha sido pensado para socializar música variada con el rótulo de "alternativa". Seguirá siendo "alternativa" toda aquella música que no siempre se escucha en la radio ni se ve en el cable a menudo, aquella música que no figura en los circuitos comerciales y que prescinde de rótulos de estilos en boga, y que sin embargo forma parte del gusto de muchos individuos alrededor del planeta.

¡Música sin fronteras desde Bolivia!